La importancia de la preproduccion

Entendemos por preproduccion todo el proceso previo a la producción propiamente dicha de una pieza musical. La importancia de la misma radica en que es el proceso que va a terminar definiendo como suenan las cosas y suele ser bastante menospreciada o directamente ignorada por los artistas porque puede parecer un proceso innecesario o que le quita algo de la parte artística a la música.

Pero este preconcepto no es más que eso, la realidad es que no podemos librar al azar demasiados detalles de nuestra música. Pensemos que una canción se compone de muchos elementos, entre ellos tenemos: Melodía , Harmonía, Ritmo, Estructura, Dinámica, Tesitura, Tempo entre otras tantas.

En la mayoría de los casos se ve que muchos de estos factores no se piensan lo suficiente y eso se termina reflejando en el resultado final. Por estas razones, veamos en que consiste un proceso tipíco de preproduccion:

La idea en bruto

Debido a las facilidades que nos brinda el audio digital, es muy simple crear grandes instrumentaciones con un par de clicks y hacer que estas desvirtúen lo más importante: Lo básico.

Si tenemos una canción ya compuesta tenemos que tratar de grabarla sin demasiadas distracciones, para esto podemos usar el micrófono del celular o algún dispositivo similar. El objetivo en este proceso es que el núcleo de la canción quede registrado y que la tecnología en si sea lo menos obstrusiva posible.

En el caso de ser una canción que tocamos con nuestra banda y que la tenemos ya analizada podemos llevar una grabadora portátil al ensayo para grabarla y escuchar como suena transcurridos un par de días para que el juicio sea lo más objetivo posible.

Una vez grabamos la canción la escuchamos y analizamos de la manera más objetiva posible, para tratar de diseccionar el núcleo de la misma. ¿De qué se trata? ¿Qué quiero transmitir con esto?

Quizás ya tengamos las letras a mano y estas puedan servir para complementar el proceso de análisis ¿De qué hablan las letras? ¿La música las acompaña?

De este proceso necesitamos un juicio global del tema, podemos anotar nuestras percepciones para recordarlas incluso si la sesión se extiende por varios días o por si posiblemente cambiamos de opinión durante una segunda escucha. Una vez elaboramos nuestra percepción del tema empieza la parte divertida: Los cambios.

El cambio puede ser bueno: El alma de la preproduccion musical

No se asusten, cuando hablo de cambios no estoy hablando de echar al baterista o decirle al cantante que su novia lo esta engañando con el frontman de otra banda más popular. Estoy hablando por el contrario de cosas que se pueden cambiar para que el mensaje que se quiere comunicar sea el que efectivamente se comunique.

Los cambios puede ser muy sutiles o drásticos, lo que hay que entender es que hay cambios que por sutiles que sean hacen una diferencia enorme y pueden construir o destruir un tema. Después de todo la diferencia está en los pequeños detalles.

Algunas de las cosas que pueden ser susceptibles a cambiar son:

El tempo o pulso: 

El tempo no puede ser menospreciado, es una parte muy importante del feeling general de una canción.

Es increíble lo diferente que puede sonar algo con solamente cambiar el tempo. Esta diferencia es tan notoria que un cambio de unos pocos BPM (beats per minute o pulsos por minuto) puede representar el día y la noche en lo que transmite un tema. Si tuviesemos acceso a muchos temas de la música popular veríamos tempos extravagantes como 105.95 BPM o algo por el estilo, representando el grado de exactitud con el que se mueven algunos.

Para mi lo más importante en este aspecto es lo estilístico, es decir que si queremos tocar cierto genero vamos a estar atados de cierta manera a los tempos que se suelen manejar. Esto no quiere decir que somos esclavos pero basta prestarle un poquito de atención a la música como para entender el concepto: imaginense un rap en 180 o un swing en 94, sería horribile!

Ahora esto no quiere decir que seamos presos de lo que hacen otros artistas de nuestro genero o del genero de la canción, pero esto demuestra que el tempo es esencial a la hora de transmitir una idea.

En cuanto a la preproduccion lo ideal es tener un estimativo e ir jugando con el tempo para llegar al indicado. Una vez consideremos que tenemos el tempo indicado probemos dejar de lado el tema y volver en unos minutos, es posible que nos demos cuenta que lo que nos parecía indicado hace un rato ahora nos parece aburrido o demasiado «ansioso».

La tonalidad:

Es importante probar distintas tonalidades para lograr el resultado que queremos.

Este sin duda alguna es otro de los puntos más importantes. Es increíble el cambio que puede haber en un tema cambiandole la tonalidad, puede ser realmente esclarecedor y es importante probar con distintos tonos para darnos cuenta cual nos parece el indicado.

Ahora, soy conciente que mucha gente compone en base a la comodidad. Entiendo que en la guitarra sea mucho mas sencillo componer riffs en Mi (para hacer uso de las cuerdas al aire) pero llega un punto donde se nota que la música es demasiado guitarristica o hay bandas que no sueltan el Mi ni para salir a dar un paseo (Iron Maiden o Metallica me viene a la mente por ejemplo).

Sin embargo esto solamente nos encierra en una jaula de la que nos podemos liberar fácilmente pero no lo hacemos por comodidad. ¿Probaste afinar medio tono más abajo? ¿Alguna afinación Drop? ¿Usaste capos alguna vez? ¿Quizás alguna afinación abierta?

No dejemos que las limitaciones técnicas limiten la composición, si tenes un tema en La probá tocarlo en Sol# (afinando medio tono más abajo) o en Si o en Re, dejá que tu oído juzgue.

Ahora si las limitaciones técnicas pesan mucho tampoco te pongas muy exigente, es cierto que hay riffs o motivos que solamente pueden sonar como suenan cuando se usan las cuerdas abiertas.

La estructura:

Estructura convencional de un tema, es importante establecer la estructura en la etapa de produccion.

Este es otro de los puntos que pueden hacer una diferencia gigantesca y para mí uno de los puntos donde gran parte de los compositores pierde el norte.

Uno de los errores más comunes es extender demasiado algunas partes, no es necesario que tu estrofa dure 16 compases o que la intro sea interminable y distractiva, es importante sentar algunas bases y respetarlas.

La introducción se supone que sirve de manera de presentar el tema y de construir el ambiente necesario para comprometer al oyente, no es necesario que dure demasiado aunque tampoco existen reglas duras al respecto. Lo importante es escuchar y pensar si esta cumpliendo su función; mucha gente dice que no debería durar más de 17-20 segundos en una canción comercial aunque hay incontables excepciones, lo importante es que funcione para vos.

Así mismo otro de los errores más comunes es que las canciones no tengan parte C o puente o que el paso al estribillo/coro sea muy poco notorio y por lo tanto no atraiga tanto la atención del oyente. El mejor ejercicio para mejorar en este aspecto es escuchar la música que te gusta y analizar su estructura; se que puede ser tedioso y poco artístico pero te aseguro que si lo haces vas a empezar a notar como muchos patrones se repiten y vos ni siquiera te habías empezado a dar cuenta.

También me gustaría hablar de los solos: No es necesario que sean largos sino por el contrario que sean buenos y que sean musicales o estén dentro del plano de la canción. No me canso de escuchar temas comunes donde el solo parece una especie de piedra libre para que el instrumentista se luzca sin más. Los mejores solos de la historia suelen ser parte integra de la canción, casi como una melodía más y no como una maratón de notas.

El rango vocal:

La importancia del rango vocal en la producción musical

Cuando compones un tema ¿Estás consciente del rango vocal de la persona que lo va a cantar? ¿Sabés con seguridad que el cantante va a estar cómodo cantando eso, o simplemente lo hacés por que se te ocurrió?

Es importante conocer el rango vocal de la persona con la que trabajamos o el nuestro si somos los que vamos a cantar. Si la canción incluye notas que esten en el límite del rango vocal del cantante lo más probable es que no pueda dar lo mejor de sí y que se sienta muy presionado o que no transmita la misma emoción que podría transmitir en el caso de estar cómodo.

La mejor forma de saber esto a ciencia cierta es preguntarle al cantante hasta donde se siente cómodo y en lo posible sacar las conclusiones con un piano.

En términos de producción y arreglos muchas veces se habla del rango sugerido de los instrumentos, viene siendo como el lugar donde el instrumento se siente cómodo, por ejemplo un saxo baritono puede tocar ciertas notas por debajo y por encima de su rango sugerido sin embargo es poco recomendable escribir partes que incluyan esas notas porque no sabemos si el instrumentista va a poder sacarles provecho, siempre es bueno acotar el rango a lo que sabemos con seguridad va a brindarnos buenos resultados.

Anotalo que es importante:

Si se nos ocurre algo durante la preproduccion es importante anotarlo para tenerlo en cuenta. Por citar un ejemplo podemos haber compuesto un riff y al mismo tiempo se nos ocurrió algo para la batería como un crescendo o algún lugar donde consideramos oportuno poner un corte.

Si anotamos estas cosas podemos revisarlas más adelante o cuando llegue el momento de ensayarlas o grabarlas. Es importante que si hacemos una anotación esta sea lo más clara posible. Es mejor evitar conceptos ambiguos como «Sonido cremoso en el puente» o similares que son demasiado subjetivos como para ser útiles.

Pegale una escuchada en unos días:

Una vez atravesaste este proceso es bueno que escuches lo que hiciste tratando de ser lo más objetivo posible.  Escuchar algo hecho por nosotros después de días de haberlo grabado es como leer algo que escribiste para corregirlo: Siempre vas a escuchar/leer cosas de las que no te habías percatado.

Esta perspectiva nueva te puede ayudar a corregir algunas cosas o a agregar algo que se te ocurre puede funcionar muy bien en determinada sección. Tomemos en cuenta también que esta sesión de re-escucha también puede servir para quitar o sustraer algo que sobra o acortar una sección que te diste cuenta se hacía demasiado larga.

No tengamos miedo en deshacernos de algo, si bien perdimos tiempo grabándolo o pensando en esa idea lo más importante siempre tiene que ser el resultado final. Las cosas tienen que ser lo mas simple posible y no más simples que eso. Si escuchamos las canciones que nos gustan nos damos cuenta que por momento pueden tener muchas cosas sonando al mismo tiempo, pero es raro que esas cosas estén ahí de casualidad y casi siempre hay una razón detrás de eso.

Por eso cuando escuchemos la canción nuevamente y vayamos incorporándola pensemos si los elementos presentes tienen alguna razón de ser y de no ser así consideremos que podemos hacer al respecto.

Conclusiones:

La preproducción es una etapa crucial de la producción musical porque es donde nos encontramos con la canción en su forma mas primitiva y es en donde la moldeamos y decidimos como va a terminar sonando.

Casi todas las decisiones que se toman en la preproducción se pueden tomar de manera intuitiva o sin pensar demasiado: El tempo o la estructura por ejemplo, pero si nos detenemos a pensar en el porque de esas decisiones y a contrastarlo con música similar nos vamos a dar cuenta de que tenemos que considerar algunos factores antes de tomar algunas decisiones.

La idea es que nuestras canciones sean lo mejor que pueden ser e incorporar estos conceptos nos ayudaran a crecer como compositores y a estar más preparados en caso de grabar para no llevarnos sorpresas desagradables o perder demasiado tiempo en el estudio.